Principal Artes Criatividade e isolamento: a verdade que deu origem ao mito do artista recluso

Criatividade e isolamento: a verdade que deu origem ao mito do artista recluso

O isolamento é bom para os artistas?Khara Woods / Unsplash



Encontramo-nos em um momento estranho no tempo, que exige que permaneçamos isolados. E enquanto o mundo como o conhecemos está em espera, ainda devemos preencher nossos dias e tentar ganhar dinheiro suficiente para sobreviver. Algumas pessoas têm a sorte de fazer seu trabalho em casa, outras foram dispensadas até o retorno da normalidade, enquanto muitas foram totalmente dispensadas. Os criativos encontram-se numa posição ímpar em que podem, pelo menos em teoria, continuar a produzir arte nos espaços em que vivem. A internet está cheia de sugestões sobre o que fazer enquanto se isola, como passar o tempo, embora o mito do artista sugira que os criativos estão bastante acostumados ao isolamento e são minimamente afetados por isso. A verdade de onde vem essa percepção é na verdade muito mais interessante do que a fábula do artista recluso e torturado que ela gerou.

O isolamento voluntário tem sido uma boa maneira para os artistas, historicamente e hoje, encontrarem a paz para criar, longe dos rumores, da burocracia e do barulho geral da vida. O arquiteto e artista renascentista (e padrinho da história da arte) Giorgio Vasari gostava de ir para um mosteiro na Toscana rural onde, como ele escreveu, eu não poderia ter encontrado lugar melhor para me conhecer. Foi numa das primeiras visitas, um período de dois meses, que pintou um A Virgem e o Menino com os Santos João Batista e Jerônimo e isso levou os monges a encomendar a ele um retábulo inteiro.

Durante este tempo, aqueles que podiam estavam deixando as cidades populosas onde uma praga estava se espalhando rapidamente. Retiradas para fazendas, mosteiros e ambientes rurais, longe de grupos de pessoas, era uma das melhores medidas preventivas contra doenças - os médicos, naquela época, estavam mal equipados para recomendar outras medidas comprovadas de proteção a si mesmo. Nas cidades, água e vinagre eram considerados anti-sépticos. As transações nas lojas limitavam-se a colocar moedas em uma tigela com água ou vinagre e deslizar as moedas por uma fenda na porta de uma loja, após o que o dono da loja deslizava as mercadorias de volta para o comprador. A oração feroz também era considerada um bom defensor contra doenças.

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Os artistas, historicamente, têm sido capazes de criar obras em isolamento se estivessem relacionadas com a prevenção de doenças, mas não se tratassem de evitar a guerra e em situações de cerco. Nessas épocas, os nervos estavam tão à flor da pele e o material indisponível, que a produção artística tendia a ser extremamente limitada ou inexistente. Na verdade, a maioria dos artistas foi reatribuída a funções de engenheiros militares em tais circunstâncias, com nomes como Leonardo, Benvenuto Cellini e Vasari, todos cumprindo esse papel em tempos de conflito.

É em parte graças ao legado de Vasari que temos esse mito do criador isolado, por meio de seu influente livro de 1550, As vidas dos artistas, que retrata o artista como alguém que vive na periferia da sociedade (literal ou metaforicamente). O clichê subsequente que gerou serviu para elevar a vida privada de alguns artistas a um nível de fama além do que seu trabalho alcança. O principal exemplo é Vincent van Gogh, aquele gênio louco comedor de sapatos e cortador de orelhas que evitava os cafés de Paris - que é onde todo mundo que era alguém no mundo da arte costumava frequentar - e se mudou para Arles, no extremo sul.

Van Gogh é o garoto-propaganda do artista torturado, isolado e ignorado, que entendemos significar o Verdadeiro Artista. Ele disse que seu movimento era se aproximar das cores e se afastar dos cinzas de Paris, e explicou que estar em completo isolamento e longe das pessoas e de todas as influências possíveis além de suas próprias visões o fazia ver as coisas com mais clareza. Esse isolamento completo o ajudou a estar em a zona , ou continuamente hipnotizado, como Murakami descreveu recentemente o propósito de seu próprio isolamento auto-imposto ao escrever um novo livro. A verdade é que para muitos criadores, um espaço onde possam ficar sozinhos com seus pensamentos é o ideal. Escritores e artistas regularmente fazem retiros, o que é essencialmente um auto-isolamento voluntário para realizar o trabalho sem as distrações da vida cotidiana. No entanto, não podemos esquecer que muitos criam em estúdios compartilhados, em campi lotados ou em colaboração com outras pessoas.

Mas algo sem dúvida acontece quando investimos tudo o que temos em um período mais longo de imersão total no processo de fazer arte - e pouco ou nada mais. Ao mesmo tempo, em muitos casos, nós, artistas, nos aprofundamos tanto em nosso trabalho que ele pode se tornar invisível para nós. Muitas vezes, a resolução final, aquele clique, aquele golpe do gênio, o sopro da divindade, quando tudo (você incluído) é levantado do chão, conforme a magia se instala em seu trabalho, aparece apenas quando você tira o rosto dele e respire um pouco. Às vezes, sair do trabalho nos ajuda a ver tudo com mais clareza. Quantas vezes o bloqueio do escritor (ou outras estações da cruz artística) foi magicamente resolvido por um desvio não planejado, uma farra inesperada, um caso de amor ou apenas um café em um novo lugar, fora da rotina normal? Portanto, o isolamento é bom para a realização de grandes blocos de trabalho. Mas precisamos respirar para escapar da prancheta (literalmente) para fazer novos avanços, resolver problemas e encontrar as notas graciosas que completam nossas sinfonias (às vezes literalmente).

Foi quando o amigo de Van Gogh, rival de algum tempo, Paul Gauguin, veio passar um tempo com ele em Arles que os dois artistas realmente fizeram descobertas e floresceram. Mas os artistas podem ser sensíveis e há uma linha tênue entre camaradagem e rivalidade. Essa estada conjunta transformou a amizade deles em um desastre, e incluiu aquele famoso ato de Van Gogh cortar sua orelha, seguido pela partida de Gauguin em um retiro, longe da civilização conhecida como ele a chamava - ele acabou na Polinésia.

Alguns artistas transformaram o auto-isolamento em sua arte, não apenas um veículo para fazer arte. Chris Burden preparou uma apresentação ( Peça de cama, 1972) em que deu instruções estritas ao seu galerista para não interferir com ele de forma alguma. Em seguida, ele apareceu na galeria, deitou-se em uma cama dentro dela e lá permaneceu, em completo isolamento auto-imposto, por três meses. Isso teve uma ressonância extra para ele porque, depois de um grave acidente de carro quando tinha 13 anos, foi forçado a passar nove meses na cama enquanto se recuperava. Fazendo referência a Burden, o artista chinês Tehching Hsieh se trancou dentro de uma jaula dentro de seu estúdio por um ano inteiro ( Pedaço de gaiola , 1978-1979).

É uma dança constante para os artistas entre o isolamento e a interação social. Quando há muita vida real, parece uma interferência e ansiamos por um tempo a sós para fazer nosso trabalho. Mas simplesmente ficar sozinho com nosso trabalho pode levar a repetições obsoletas. Pausas e interações nos renovam e dão aos nossos sucos criativos a chance de fluir novamente. Também sentimos que nossas carreiras correm perigo se ficarmos isolados e trabalhando por muito tempo - essa é uma preocupação pós-moderna, que você tem que estar lá para que o mundo da arte se lembre de você e mantenha sua relevância.

Não há uma resposta direta para o equilíbrio entre isolamento e socialização para o artista, mas apreciamos a liberdade de escolha. Escolha quando isolar, escolha quando engajar. É um processo, um ato constante de andar no arame.

Portanto, a questão é, agora mais do que nunca, isolamento significa que farei uma arte melhor ou estar imerso no vórtice social não apenas abre minhas chances de ser visto, mas torna minha arte melhor e mais relevante? A resposta é ambas. Ele está em destaque agora, porque não podemos mergulhar no vórtice social, além das redes sociais, que fornecem o efeito lembre-se de mim, mas não oferecem a distância positiva e refrescante de seu trabalho que permite que você invente novas ideias e adicione glacê o bolo dos velhos.

Os artistas gostam de pular para os extremos. Navegar o mais longe possível de todos às vezes, enquanto imerso em todos os cantos possíveis dos grandes, complexos e variados projetos paralelos, exposições, colaborações, publicações, apresentações e palestras da arte contemporânea. Artistas querem mostrar o que fizemos enquanto estávamos em uma de nossas cavernas secretas, ou mostrar que agora só podemos trabalhar flutuando em um oceano de informação e disponibilidade ... até que não possamos esperar para escapar novamente, então nós pode respirar e apreciar tudo. Existem muitos clichês sobre os artistas, mas um é certamente verdadeiro: quer adotem extremos ou não, eles são um grupo complicado - e melhor que isso aconteça. Sem suas tentativas criativas de compreender a si mesmos e o mundo, todos seríamos muito mais pobres.



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