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Dizem que Aniston Stinks

Corta para 1997. Jennifer Aniston, como uma neurótica garota de carreira de Manhattan que não consegue escrever nada melhor do que obituários para O jornal New York Times , voa para Pasadena com seu noivo (Mark Ruffalo) para o casamento de sua irmã mais nova (Mena Suvari) e, por meio de uma série de manobras pouco convincentes na trama, convencida de que a Sra. Robinson era sua bêbada e fumante inveterada avó (toda crescida para ser Shirley MacLaine). Pior ainda, ela acha que sua própria mãe, que morreu quando ela tinha 9 anos, estava grávida do mesmo homem (agora crescido como Kevin Costner, que não se parece em nada com Dustin Hoffman). Ela não tem nada em comum com sua família e odeia Pasadena, então quando ela descobre que sua mãe teve um caso com o Sr. Costner nove meses antes de nascer, ela envia seu noivo para casa e procura o Sr. Costner, pensando que ele é seu pai.

Quem diria que ele seria tão bonito, rico e descolado, vestiria roupas de grife e possuiria seu próprio vinhedo? Ele a leva para sua casa em Half Moon Bay, depois para a região vinícola de Napa Valley e de volta a São Francisco para um baile de caridade; tudo o que ela tem é uma mochila, da qual sai uma incrível variedade de vestidos de noite e camisolas. Antes de terminar, o Sr. Costner dormiu com todas as mulheres de sua família, o que torna a Sra. Aniston uma espécie de vagabunda. Ele afirma que ela não poderia dormir com o próprio pai, porque ele está estéril há 39 anos devido a um trauma testicular causado por um goleiro de seu time de futebol que chutou a bola errada. Essas são as piadas, pessoal, e elas não ficam melhores ou mais baratas.

Nada é remotamente verossímil aqui, especialmente as falas desagradáveis ​​e desagradáveis ​​que deram a Shirley MacLaine como a avó do Inferno (entre, vou colocar um bule de uísque). Há também a visão trêmula de uma trashy loira Kathy Bates como uma tia que mistura Bloody Marys o dia todo e canta canções de Pacífico Sul . É tudo muito horrível, e a Sra. Aniston é tão nervosa e maluca que parece estar na menopausa 20 anos antes do tempo.

Jogo amor

Se você quiser ver algo que pode ter negligenciado imprudentemente no pandemônio de fim de ano, vá direto para o brilhante e fascinante Ponto que decide o jogo . Os críticos americanos que têm sido menos do que amorosos com Woody nos últimos anos estão loucos Ponto que decide o jogo , enquanto os europeus, que sempre se ajoelham e o cobrem de prêmios, têm sido mais mornos. Vai saber. Ponto que decide o jogo é meu filme favorito de Woody Allen desde Manhattan Murder Mystery , mas discordo das comparações com Hitchcock. Mais como Um lugar ao sol ambientado em Londres, se você me perguntar, com Jonathan Rhys-Meyers (o britânico Tom Cruise, apenas um ator melhor) no papel de Montgomery Clift e Scarlett Johansson roubando o show na parte de Shelley Winters, reescrito como o único personagem americano no filme - um ianque (Yankette?) solto, amoroso e confuso, que se interpõe entre o herói e seu lugar nos escalões superiores da sociedade inglesa. É um filme de grande desenvoltura, com uma moral sobre sorte e destino arrepiante.

O Sr. Rhys-Meyers interpreta Chris Wilton, um treinador de tênis que adora ópera em um clube privado exclusivo, que faz amizade com um cliente rico chamado Tom (Matthew Goode), e consegue um emprego chique com a ajuda dos pais de Tom ( Brian Cox e Penelope Wilton) e se prepara para se casar com a filha do patrão, Chloe (Emily Mortimer). Ele não é realmente um canalha ou um obstinado, mas ele é um menino pobre da Irlanda que é novo em Londres e bastante ambicioso. O problema é que, em um fim de semana no país na propriedade de seus novos mentores, ele fica sexualmente excitado pela noiva de Tom, Nola (Johansson com pele de marfim), uma atriz americana neurótica que tem a má forma de engravidar e complicar coisas sem fim à vista. Nola é a chave para o êxtase sensual; Chloe é a garota amorosa e solidária que pode abrir todas as portas para a riqueza e o sucesso.

Por um tempo, Chris está transando com os dois, dividido entre o melhor dos dois mundos. Mas sua sorte começa a mudar quando a insistência de Nola e o desejo de Chloe por uma família própria o levam a um comportamento imprudente. Ele gostaria de ter seus bolinhos e comê-los também, mas a única saída é o assassinato.

Sexo nos filmes de Woody é geralmente cômico ao ponto da paródia. Aqui, no entanto, temos a banana inteira (sem trocadilhos), o que explica a obsessão do jovem (o americano hedonista é mais selvagem na cama do que o doce, mas enfadonho britânico) e delineia seu dilema emocional. O objetivo do filme é que seu plano de fuga dá errado por causa de um mero golpe de azar. É como o giro de uma roleta: um movimento para a direita ou para a esquerda e você pode ganhar ou perder tudo o que investiu. Na solução final de Chris, a bola, de fato, cai do lado errado da rede. Por isso Ponto que decide o jogo , termo do tênis que dá título ao filme.

Cruzando o Atlântico pela primeira vez, Woody faz por Londres e pelo idílico campo britânico o que sempre fez por Manhattan e os Hamptons. Desde a troca da guarda no Palácio de Buckingham e as galerias de arte da moda no Tamisa, até pôneis de pólo e caça de perdizes em Buckinghamshire, ele transporta você para um mundo diferente, mas é tão fascinante quanto o antigo bairro de volta para casa. Você não iria confundir Ponto que decide o jogo como a obra de um diretor britânico: Londres é muito luxuosa, seus habitantes muito viajados e operísticos. Ainda assim, tem o humor e a sutileza de Woody; nenhuma franqueza britânica aqui. A atuação é a primeira cabine o tempo todo. E é genuinamente comovente. Mova-o para o topo da sua lista de lugares imperdíveis.

A vida é …

Sem gordura , o primeiro lançamento importante de 2006, é o estudo autobiográfico de um menino judeu húngaro de 14 anos que milagrosamente viveu os campos de extermínio de Hitler, escrito por Imre Kertész, que ganhou o Prêmio Nobel de Literatura em 2002. Este filme perturbador, de o respeitado diretor Lajos Koltai, é digno, sério e comovente, mas difícil de recomendar. Por um lado, entendo a necessidade dos sobreviventes do Holocausto de contar suas histórias em livros e filmes. Por outro lado, espero que eles não nos julguem com muita severidade se às vezes olhamos para o outro lado. Quando se trata do capítulo mais negro da história da depravação humana, há limites para o quanto podemos ler, assistir e suportar enquanto eles se lembram.

Kertész, que escreveu sua própria adaptação para o cinema, se autodenomina Gyuri Köves no filme, que começa quando o negócio de seu pai quebra e ele é enviado para um campo de trabalhos forçados, deixando o adolescente em casa com sua madrasta. De repente, em um dia quente de junho de 1944, ele é forçado a descer de um ônibus em Budapeste e preso em um vagão de carga a caminho de Auschwitz. À medida que a esperança se esvai da vida dos presos, a cor do filme se esvai. Por mais de duas horas, seguimos o jovem inocente e assustado enquanto ele é transportado de um campo de concentração para outro, enquanto seus amigos desaparecem e ele é cercado por estranhos. Sobrevivendo à peste, tortura, doença, fome e frio intenso, o menino renuncia a toda esperança de resgate, sacrificando sua juventude por um pedaço de pão velho ou um par de sapatos com lama escorrendo pelas solas.

Porque o filme é contado através dos olhos de um menino que ainda não desistiu da raça humana, a história tem momentos de humor e união. Perplexo e sozinho, ele ainda luta para encontrar significado em seu trágico destino enquanto estoicamente sofre a brutalidade da vida no campo. E há milagres: em seu caminho para o crematório em uma carroça de cadáveres nus, o menino é arrastado para o hospital em Buchenwald e salvo por médicos que também eram prisioneiros. Em nenhum momento ele se faz de vítima. Infelizmente, no entanto, as dificuldades não terminaram quando os campos foram libertados: Tentar voltar para casa e os escombros que eram Budapeste sob o domínio dos russos é igualmente assustador. De volta às ruínas, Gyuri é forçado a recorrer à memória de pequenos gestos da humanidade para permanecer sã, mas, no final, somos levados às lágrimas pelo rosto solitário e pela mente lúcida de uma criança cujo coração é tão puro - e tão frio - como neve.

O desempenho de Marcell Nagy no papel central é assustador. Precoce no início, depois amadurecendo em uma alienação surpreendente na comunidade de sua juventude no pós-guerra, a transformação do jovem ator é profunda. O roteiro de Kertész oferece uma abordagem matizada, original e profundamente filosófica da Europa da era da ocupação que define Sem gordura além de outros dramas do Holocausto. Os extensos temas e o elenco de centenas o tornam o filme mais caro já feito na Hungria, e ele foi nomeado para o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro deste ano. Mas o diretor Koltai habilmente renderiza os detalhes íntimos e íntimos que tornam a história tão devastadora com um uso atmosférico de cor e iluminação que justifica sua reputação como um cinegrafista mundialmente famoso. (Seu filme mais recente foi o luxuoso Ser julia , que oferece prova de sua versatilidade.) Mais do que apenas mais um livro de memórias do Holocausto, Sem gordura é algo especial: um retrato inesquecível de dor e esperança, perda e transcendência.



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