Principal Entretenimento Things Fall Out: Amy Herzog's The Great God Pan e Melissa James Gibson's What Rhymes With America Are Soberba, Comovente

Things Fall Out: Amy Herzog's The Great God Pan e Melissa James Gibson's What Rhymes With America Are Soberba, Comovente

Van Patten e Strong emVan Patten e Strong em 'The Great God Pan'. (Cortesia Joan Marcus)

Seria um exagero dizer que Amy Herzog escreveu o drama americano contemporâneo ideal. Mas seja qual for o ideal, ele deve se parecer muito com O Grande Deus Pan , A mais recente peça notável de Herzog, que estreou na noite passada no Playwrights Horizons.

Dirigido por Carolyn Cantor, O Grande Deus Pan é provocativo e sutil, lentamente, cuidadosamente revelador e docemente comovente. É bem representado, nítido, dirigido com eficiência, instigante, engraçado e perspicaz. O melhor de tudo é que dura apenas 80 minutos. (Não subestime a atração de um crítico por uma peça curta no final de um longo outono.)

Seu protagonista é Jamie (um excelente Jeremy Strong, com feridas por trás de sua certeza), um tipo perfeitamente reconhecível: um morador do Brooklyn, de 32 anos, com uma camisa xadrez elegante, um jornalista talentoso em um emprego medíocre e sem benefícios. Ele está morando com sua linda namorada loira de seis anos, Paige (Sarah Goldberg), uma ex-dançarina agora em treinamento para ser terapeuta, mas ainda não está noivo. Tudo parece bem em sua vida, mas tudo também parece um pouco travado. No início da peça, descobrimos que Paige engravidou sem querer. Jamie, preocupado com o relacionamento deles e com a vida, não recebe esta notícia com alegria.

Quando a peça começa, Jamie está tomando café com Frank (Keith Nobbs), um amigo de infância tatuado e com piercing. É uma conversa estranha: os dois homens, que eram próximos quando meninos, não têm nada em comum agora. Frank entrou em contato com Jamie com a notícia: ele está processando seu próprio pai por abuso sexual infantil. Ele acredita que seu pai também molestou Jamie.

As duas peças anteriores da Sra. Herzog foram baseadas em sua própria família judia esquerdista. Depois da revolução , também na Playwrights, focado em uma geração mais jovem tentando entender uma muito mais velha; dentro 4000 milhas , no Lincoln Center Theatre, aquela geração mais velha forneceu estabilidade para uma mais jovem perdida. Dentro O Grande Deus Pan , que se afasta ainda mais da família Herzog, ela olha para uma geração estagnada tentando, não necessariamente com sucesso, entrar em todas as armadilhas da vida adulta - casamento, filhos, sucesso profissional - e considera se nós (sim, nós: é a minha geração , e da Sra. Herzog) são prejudicados por nossa infância ou usam nossa infância como uma desculpa para estarmos sendo prejudicados.

Jamie se recusa a acreditar que a revelação de Frank é definitivamente verdadeira, mas também se recusa a acreditar que não poderia ser. Enquanto o repórter investiga seu próprio passado - conversando com seus pais (Becky Ann Baker como Cathy, sua mãe inesperadamente otimista e Peter Friedman como Doug, seu pai ioga e lã), visitando a babá que ele compartilhou uma vez com Frank, Polly ( uma divertida Joyce Van Patten), a babá que ele compartilhou com Frank, na casa de saúde onde ela agora mora, e discutindo coisas em conversas cada vez mais tensas com Paige - a sra. Herzog deixa muito espaço para dúvidas. Alguns fatos descobertos apoiam a acusação de Frank, outros questionam, muitos sublinham o ponto de que as memórias não são confiáveis.

Eu nem tenho certeza de que algo aconteceu, Jamie diz a Paige enquanto a peça se aproxima de seu clímax. Você não pode colocar toda a minha vida, eu, em termos disso - você não pode fazer isso. Nunca obtemos uma resposta certa do que aconteceu ou não, mas vemos Jamie avançando em direção a uma compreensão de como lidar com as coisas agora. O passado, seja ele qual for, sempre estará lá, mas o presente é o que precisa de sua atenção.

De Melissa James Gibson O que rima com a América , na Atlantic Theatre Company, não oferece uma elevação semelhante. É uma comédia bem escrita, elegantemente encenada e profundamente melancólica sobre relacionamentos, distanciamento, solidão e tristeza.

Seus quatro personagens - Hank (Chris Bauer), um economista acadêmico fracassado, ainda apaixonado pela esposa que está se divorciando dele e desesperado para salvar uma conexão com sua filha adolescente; Marlene (uma Aimee Carrero maravilhosamente perspicaz), aquela garota inteligente e cínica de 16 anos; Sheryl (a divina Da’Vine Joy Randolph), confidente de Hank, uma aspirante a atriz presa em um coro de ópera; e Lydia (Seana Kofoed), a virgem de meia-idade com quem Hank sai em um péssimo encontro - estão perdidos e sozinhos, infelizes com suas vidas, infelizes com suas opções, incapazes de melhorá-las. Querer coisas causa dor, Sheryl diz a Hank durante uma pausa para fumar na doca da ópera, depois de fazer um grande teste. O que oferece apenas a solução de não querer nada em primeiro lugar.

A escrita da Sra. Gibson é completamente envolvente - descontroladamente imaginativa, frequentemente muito engraçada e cheia de epigramas inesperadamente sábios. A encenação, de Daniel Aukin, é, como a peça, adorável, despojada e artisticamente indireta. Com algumas peças fixas em um palco aberto (projetado por Laura Jellinek), o Sr. Aukin pode criar cenas distintas e às vezes sobrepostas com mudanças rápidas da iluminação muito inteligente e eficaz (projetada por Matt Frey). Sheryl apresenta a Hank o conceito de enjambment, um pensamento ou uma frase que continua na próxima linha ou cena, e O que rima com a América está cheio disso, tanto no roteiro quanto na encenação.

E, é claro, nas vidas de seus personagens, que se sobrepõem sem nunca atingir a fruição. Em uma peça comovente, mas abatida, é um termo melífluo e uma realidade deprimente.

Como você resolve um problema como o Pacino?

Al Pacino, a estrela de cinema ganhadora de Oscar, Tony e Emmy, é um dos grandes atores de sua geração e uma atração de bilheteria quando se digna a aparecer na Broadway. Ele também é frequentemente uma caricatura de si mesmo, uma coleção de seus tiques, uma paródia de seu desempenho vencedor do Oscar em Perfume de mulher . Às vezes, como no teatro público recente O O Mercador de Veneza , ele terá uma performance comovente. Mais frequentemente, como no renascimento de Glengarry Glen Ross agora tocando no Teatro Gerald Schoenfeld, ou nos trailers cada vez mais onipresentes para Levantem-se rapazes , ele apenas oferecerá mais do mesmo: olhos esbugalhados, dedos se contorcendo, grunhindo, gritos inevitáveis. Onde Michael Corleone era contido e controlado, o Al Pacino de hoje apenas reclama.

Isso não faz seu desempenho em Glengarry , A obra-prima ganhadora do Prêmio Pulitzer de David Mamet sobre vendedores de imóveis desesperados, intransigente de assistir. Mas isso faz de seu Shelly Levene - uma vez grande, agora uma lenda das vendas que se desmancha no decorrer da peça - mais um gritador de Pacino, não um personagem único e emocionalmente envolvente. Na verdade, esta bela produção, dirigida por Daniel Sullivan (que também dirigiu Pacino em Comerciante ), nunca se torna tão envolvente quanto deveria.

Bobby Cannavale, que nas últimas temporadas se transformou de um ator de sitcom em uma estrela de palco dinâmica e intensa, traz sua arrogância focada para o papel de Ricky Roma, o jovem vendedor chamativo e bem-sucedido, interpretado por Pacino no Versão do filme de 1992. John C. McGinley é intenso e hilário como o cabeça quente do escritório Dave Moss, e Richard Schiff é absurdamente neurótico como o milquetoast George Aaronow. David Harbor como o intrigante gerente do escritório, Jeremy Shamos como um comprador cheio de remorso e Murphy Guyer como o policial investigando a invasão do escritório também tiveram ótimas performances.

Mas, apesar de todo esse talento, não é muito coerente. O diálogo do Sr. Mamet, especialmente nesta obra echt-Mamet, deve se transformar em uma poesia suja e staccato. Não importa. O colapso de Levene deve ser devastador. Não é. A peça é sobre a morte de um certo tipo de cara durão, que joga com a cabeça e com a masculinidade totalmente americana. Em vez disso, é um pedaço de nostalgia do Mamet que já existiu. É divertido de assistir, mas não é autêntico.

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