Principal Estilo De Vida Queria poder esquecer as 50 primeiras datas

Queria poder esquecer as 50 primeiras datas

Rude, obsceno e sem vergonha são três palavras que descrevem com bastante precisão os filmes de Adam Sandler em geral, e 50 Primeiros Encontros em particular. Como seu namorado de 1998, The Wedding Singer, esta suposta nova comédia junta o ex-aluno do Saturday Night Live com cara de salsicha e Drew Barrymore de olhos arregalados, que é um bom agente de fermentação para a pessoa feia, abrasiva e assustadora que o Sr. Sandler (e uma fraternidade sempre desconcertante de críticos de cinema equivocados que se alimentam de falta de gosto provavelmente chama de estilo. Ainda assim, as piadas idiotas usuais e o sentimentalismo nauseante e juvenil estão aqui em abundância: piadas gays, espancamentos selvagens, velhos senis que falam mal e o círculo patético de desajustados sociais e médicos que tratam o portfólio de preguiçosos idiotas de Sandler como campeões e heróis.

O enredo inexistente retrabalha o filme de Harold Ramis de 1993, Groundhog Day, no qual Bill Murray interpretou um cínico meteorologista condenado a reviver os eventos de 2 de fevereiro repetidamente até que aprendeu a se tornar mais empático com o roedor de Punxsutawney em busca de sua sombra. Se seu personagem estava preso no purgatório, o personagem de Drew Barrymore, Lucy, está condenado ao limbo. Um fenômeno médico que vive apenas no tempo fraturado, ela é uma professora de artes que sofreu um ferimento na cabeça em um acidente de carro. Agora ela perde a memória de curto prazo todas as noites e acorda todas as manhãs acreditando que é o dia do acidente novamente, que também é o aniversário de seu pai. Por razões que você não quer saber, o odioso pai dela (Blake Clark), o irmão drogado de esteróides (Sean Astin) e vários dançarinos de hula nativos (esqueci de mencionar que tudo acontece no Havaí?) Concordam com a piada , até mesmo assistindo a uma reprise todas as noites de O Sexto Sentido e fingindo choque e surpresa toda vez que Bruce Willis se revela um fantasma. Quando a terapia da ilusão enfraquece, o Sr. Sandler entra como veterinário marinho e conquistador de turistas femininas chamadas Henry. Ele se apaixona por Lucy no minuto em que a vê em uma lanchonete, fazendo uma casa com uma pilha de waffles. Ela gosta de cheirar os dedos dele porque eles cheiram a cavala. Essa é apenas a parte limpa e nauseante. As partes sujas nauseantes atacam o que sobrou de seu cérebro mais rápido do que você pode dizer, Irmãos Farrelly.

Em todos os filmes de Adam Sandler, a diversão é provocada por gays, idosos, paraplégicos, pessoas em malucos e cadeiras de rodas. Mas não é curioso que a única pessoa que parece danificada e sub-mental em todos esses filmes seja o próprio Adam Sandler? Nos detestáveis ​​50 primeiros encontros, suas deficiências parecem ainda mais mortais do que no entorpecentemente pretensioso Punch-Drunk Love. Enquanto o roteiro coxo de George Wing chega a uma duração insuportável de longa-metragem de 95 minutos com uma série de datas intermináveis ​​em que Lucy pensa que está encontrando Henry pela primeira vez, as repetitivas cenas de beijo e carinho são compensadas pelo diretor Peter O compromisso de Segal com um exagero grosseiro. Em cada estágio do romance, o filme divaga em tanta escatologia e adolescência pueril que parece ter sido dirigido por Segal com um dedo na garganta. O Sr. Segal é o homem responsável por Anger Management e Nutty Professor II: The Klumps, entre outras desgraças imbecílicas, então ninguém provavelmente entrará nesta cripta em busca de sutileza, frescor ou estilo.

Mas mesmo para os padrões de Hollywood, que tipo de mente o aflige com uma combinação de tanto humor de banheiro e abuso físico ao mesmo tempo? Prepare-se para as horríveis partes do jardim de infância sobre testículos machucados, uma morsa que vomita em profusão e uma quase hermafrodita. (Não bastaria um ou outro?) O pai de Lucy imita e zomba cruelmente do problema de fala do filho. (Os peitorais exagerados do jovem não são o suficiente?) Todos nós somos encorajados a rir ruidosamente de um paciente mental com danos cerebrais, e uma piada de mau gosto sobre o quase fatal acidente de motocicleta na vida real de Gary Busey caiu como esterco de elefante. Depois, há a performance exagerada do perpétuo companheiro de repertório de Sandler, Rob Schneider, como um viciado em drogas havaiano com pele escura e inglês pidgin que continua encontrando novas maneiras de abrir as feridas em seu estômago com uma mordida de tubarão.

Estúpido, grosseiro e abissalmente sem graça, esse é o tipo de filme que faz você rezar para que um dente de tigre de verdade apareça no meio de uma cena e cause danos permanentes por conta própria. Agora, há uma piada cruel que realmente me deixaria em pontos.

Trio com excesso de sexo

Apesar de todo o hype e controvérsia em torno de seu sexo pervertido e nudez frontal masculina, Os Sonhadores de Bernardo Bertolucci é um filme que suja para comandar, mas não consegue prender a atenção. É pesado e irritantemente nada sexy. Intoxicado pelo cinema e pelo Kama Sutra, Bertolucci, em seus últimos filmes, abandonou os hormônios com que dirigia Marlon Brando, em O Último Tango de Paris, para demonstrar o único uso da manteiga que nunca ocorreu a Julia Child. Mas em The Dreamers, ambientado em Paris durante a turbulenta primavera de 1968, Bertolucci retorna em sua velhice aos seus três temas favoritos - sexo, cinema e política. Todos os três estavam a todo vapor, alimentando as revoluções dos caóticos anos 60. O ano foi uma época de greves, protestos estudantis, escândalos políticos e hedonismo fumegante e furioso, quando Henri Langlois foi deposto dos salões tranquilos da Cinematheque Française em Paris e multidões de fanáticos por cinema rebeldes se acorrentaram aos portões com a New Wave ícones como François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jean-Paul Belmondo e Simone Signoret. O recém-chegado Bertolucci, um ex-assistente de Pier Paolo Pasolini que se juntou às fileiras sagradas após seu primeiro filme em 1962, estava lá, e a adrenalina da memória obviamente ainda está surgindo em seu cérebro. É a última vez que um número suficiente de pessoas foi tão influenciado pela filosofia que encontraram na tela que estavam dispostas a invadir as barricadas e lutar contra a polícia empunhando clavas e gás lacrimogêneo para defender os filmes de Nicholas Ray.

Adaptado por Gilbert Adair de seu romance, The Dreamers narra as experiências de Matthew (Michael Pitt), um estudante americano ingênuo e solitário e insaciável cinéfilo que passa dia e noite na Cinemateca. Com um toque de conhaque e um toque do destino, ele conhece Isabelle (Eva Green) e Theo (Louis Garrel), gêmeos franceses exóticos cujos pais excêntricos passaram férias prolongadas e deixaram os irmãos sozinhos no desordenado, espaçoso e ligeiramente maluco apartamento familiar. Em dois dias, o irmão e a irmã mudam as coisas de Matthew de seu hotel para seu apartamento, onde eles flertam, fascinam, namoram e o seduzem para um ménage à trois que muda toda a sua vida. Aqui está um americano educado, de fala mansa e limpo de San Diego com um fundo de gramados verdes, peruas e camisas de botões Brooks Brothers, cuja propriedade sexual é gradualmente diminuída por um ato incestuoso de irmão e irmã ansioso para iniciá-lo no os jogos boêmios de sua própria revolução sexual não convencional. É tanto um filme sobre cinema quanto sobre cópula. Uma vez que as referências do trio oversexed às experiências de vida são restritas a cenas de filmes que viram na tela, Bertolucci corta para clipes de filmes de Chaplin, Garbo em Queen Christina, Fred e Ginger e, claro, a primeira impressão indelével de cada americano Paris-Jean Seberg vendendo o International Herald Tribune na Rue l'Opera em Breathless. Matthew flutua para uma existência secular de decadência incestuosa, entregando-se a cada experiência sexual com rendição total, até que as aventuras nas ruas destruídas pelo motim do lado de fora superam os despertares nas camas de dentro, e o caminho para a maturidade e autodescoberta termina em separação. Matthew finalmente percebe que a vida é mais do que orgasmos de gênero inespecíficos. A questão colocada é: Que tal uma sequência, onde ele coloca sua transformação excitada à prova de volta sob as palmas das mãos de San Diego?

Há muito sexo, mas a maior parte é tênue e nenhum é muito pulsante. Os atores estão quase vermelhos de vergonha e, com exceção de Eva Green - que geme com desejo simulado como uma rainha do pornô - ninguém parece estar muito excitado. O Sr. Pitt, um ator intensamente desajeitado do Brooklyn com cabelo cor de trigo e lábios inchados, expõe a bunda e o johnson, mas é muito magro e tem a boca certinha para ficar febril. O ateliê barroco de Paris, onde a juventude representa suas fantasias, dá ao filme uma qualidade amável e silenciosa que raramente se aventura à luz do dia, mas esse é um tema míope que Bertolucci não tem sucesso em estender além de sua visão pessoal. O clima político francês de 1968 não é um assunto que desperte a curiosidade de muitas pessoas em 2004, e o sexo não é mais erótico do que Janet Jackson no Super Bowl. É um filme sobre juventude e paixão que parece velho e sem paixão.

Can-Can Can!

Can-Can, o primeiro Encores! produção de 2004, dissipou o mito de que esta série popular de versões de concertos encenados de antigos musicais da Broadway sobreviveram à sua utilidade e popularidade. Você não saberia disso pelos gritos de aprovação ecoando nas vigas da varanda do centro da cidade. Uma pergunta o incomoda, no entanto. O objetivo original do Encores! Há 10 anos ia repetir shows que ninguém via há anos, montados sem cenários ou fantasias, com todo o elenco carregando livros e libretos nas mãos e interpretando partituras negligenciadas, muitas vezes esquecidas, dignas de uma segunda olhada. O Can-Can espumoso, mas vazio, de Cole Porter se qualifica? Talvez não tenha sido visto muito desde que estreou em 1953, com críticas decididamente mistas, com um elenco que incluía Lilo, Peter Cookson, Gwen Verdon e Hans Conried, mas funcionou por dois anos e ganhou o Tony Awards por Gwen Verdon e a coreografia por Michael Kidd, então quem diria que é obscuro? E podemos ir para os nossos respectivos cantos do ringue agora e sair brigando se é ou não digno de ser encenado novamente. O livro de Abe Burrows sempre foi plano, mas em 50 anos cresceu cabelo. E, apesar de sua durabilidade resistente ao tempo, canções de sucesso como I Love Paris, C’est Magnifique e It’s All Right with Me sempre estiveram entre as minhas entradas menos favoritas no catálogo Cole Porter. Além disso, acho Michael Nouri um salmão defumado feito de cipreste, e sempre fui completamente alérgico aos gritos de Patti LuPone.

Tendo dito tudo isso, devo agora morder uma grande fatia de torta humilde e admitir que me diverti perfeitamente na Can-Can. O enredo unidimensional sobre uma batalha que se transforma em um caso de amor entre um juiz tenso chamado Aristide, que jura respeitar as leis de censura de 1893 ao proibir todas as exibições públicas de dança sugestivas que possam encorajar ou nutrir os instintos básicos de parisienses travessos, e o atrevido La Mome Pistache, dono do notório cabaré Bal du Paradis em Montmartre, onde o can-can ilegal é um sorteio noturno, está mais descartável do que nunca. Tudo leva ao julgamento, onde no tribunal, apenas uma coisa mudará a lei, influenciará o júri e derreterá o coração gelado dos juízes: Tragam o can-can! É piegas além da descrição, com uma quadrilha intrusiva, balé do Jardim do Éden e dança apache tocante que eram todos meramente superficiais. Mas também havia alguns prazeres inegáveis: o segundo enredo banal sobre Boris, um artista búlgaro pomposo e faminto, e sua sofrida namorada Claudine, uma dançarina de lata, foi enormemente realçado pelo raffly charmoso Reg Rogers e o libidinoso , Charlotte d'Amboise de pernas longas. E como a rechonchuda Pistache, Patti LuPone finalmente encontrou um papel que encheu sua voz e seu espartilho. Ela foi a pior Annie Oakley que eu já vi, e como um malfadado Reno Sweeney em Anything Goes, eu não conseguia entender uma palavra do que ela disse (ou cantou). Mas em Can-Can ela era um cupcake da belle époque dono do palco. Seu canto disparou sem ser áspero ou monótono, sua atuação salgada convencida sem ser nervosa ou afiada. Sempre que ela estava esperando nos bastidores, você podia ouvir o público perdendo a atenção. Quando ela voltou, caminhando, mas não estridente, todos receberam atenção total, prontos para saudar. Esta é uma produção cut-and-paste, dirigida profissionalmente por Lonny Price, de um show que posso facilmente recomendar, nas letras de Cole Porter, a allez-vous-en. Nunca mais quero ver ou ouvir Can-Can de novo, mas como uma rara vitrine para destacar as melhores qualidades de Patti LuPone, o título da música C’est Magnifique se tornou surpreendentemente verdadeiro.



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